« L’âge d’or » du cinéma

« L’âge d’or », long métrage du cinéaste Bérenger Thouin dont c’est le premier film, en sélection officielle hors compétition au dernier festival de Cannes, est une fresque historique couvrant une bonne partie du XXème siècle, du début du siècle jusqu’aux années soixante, à travers la vie d’une femme, Jeanne, fille d’un boucher d’une petite ville, devenue comtesse d’une vaste propriété agricole, avant la chute. Son histoire rappelle celle de « Modesta », héroïne du roman de la sicilienne Goliarda Sapienza, « l’Art de la joie », qui d’une extrême pauvreté deviendra princesse en Sicile, bien que Modesta soit communiste.

Nous suivons presque pas à pas, Jeanne, de la boutique où l’on taille la viande, là où elle grandit, rencontre son voisin, un jeune comte duquel elle découvrira l’amour, une grossesse et la tricoteuse payée par le comte. Sans tout révéler, l'inondation de Paris, la guerre de 14/18, puis le Brésil avec son amant retrouvé, retour au château familial, la seconde guerre mondiale la verra ne pas s’opposer aux allemands, ce qui lui vaudra quelques soucis à la libération.

Sa rencontre avec Céleste à Paris (exceptionnelle interprétation de l’italienne Yile Yara Vianello), de laquelle elle découvrira le lesbianisme, lui fera connaître le milieu anarchiste en 1914, durement réprimé par la police. Cette même Céleste, disparaissant, puis revenant avant de disparaître à nouveau, constitue une sorte de personnage ambivalent par rapport à Jeanne, en accord sur le mode de vie, celui d’une femme libre, mais à l’opposé sur le plan politique.

Quant au personnage de Jeanne, le réalisateur l’a confié à Souheila Yacoub, lumineuse dans le rôle, et complice de Céleste.

Cependant, ce qui constitue l’exceptionnalité de ce long métrage, c’est le mélange avec une habileté rare, des images d’archives parfois colorisées, avec celles filmées à notre époque avec les acteurs et actrices de notre temps, images où le grain allié à une image parfois flottante, tend à tromper le spectateur qui parfois ne sait plus s’il a affaire à l’archive ou non. C’est rudement bien fait !

Quant au titre, « l’Age d’or », est-ce celui du siècle passé, ou celui du cinéma conservé dans les archives ? Un peu des deux, sans doute !

« Minotaure », un Poutine en miniature

 

« Minotaure », dernier long métrage d’Andreï Zviaguintsev, Grand Prix au dernier festival de Cannes, nous plonge avec fracas dans la Russie poutinienne, sur fond de guerre en Ukraine et de corruption en faveur des puissants.

Peu importe si le cinéaste russe a emprunté le scénario à Chabrol dans « Une femme infidèle » sorti en 1969, l’histoire est assez simple en elle-même : soit un industriel, sa jolie femme au foyer qui s’ennuie, un ado, une maison à l’écart de la ville, tout le confort. La femme prend un amant, faut bien passer le temps, le mari s’en aperçoit, rend visite à son rival, le tue et fait disparaître le corps. C’est Chabrol ou presque.

Mais nous sommes en Russie aujourd’hui, et Zviaguintsev ne tourne pas autour du pot, il met les deux pieds dans la m… poutinienne, et fait apparaître l’industriel, tel un Poutine en miniature. Quand le Maire de cette ville demande aux patrons de lui livrer des listes d’employés à envoyer au front face à l’Ukraine, et que des dizaines ont déjà fui son entreprise et le pays, il ne peut pas en prélever d’autres. Il imagine alors un stratagème répugnant qu’on laissera le public découvrir. Quant à son crime, la corruption s’en chargera.

La femme n’aura plus d’autre solution que de redevenir la parfaite épouse aimante : mais avait-elle le choix ? S’est-elle rendue compte que son mari avait assassiné son amant, le film ne le dit pas, mais on peut le supposer.

Un voyage à trois en Crête pour les vacances afin de clore l’affaire verra le fils filmer la mer de nuages vue du ciel, métaphore absolue d’une couverture (nuageuse) qui recouvre la pourriture du pays.

Certains passages glacent le spectateur : le discours hallucinant d’un militaire s’adressant aux recrues, une centaine, tous aux visages empreints d’une infinie tristesse sans que l’un d’entre eux ne réagisse, tous écroulés de tristesse comme drogués, ou la montée dans les bus pour la destination finale à tous les sens du terme, et le cri de terreur d’une femme voyant son être aimé envoyé à la boucherie.

Andreï Zviaguintsev nous avait déjà montré son pays gangrené par la corruption, la haine, le déclin d’une civilisation à la si belle culture, c’était en 2017 avec « Faute d’amour », et le très beau « Léviathan » sorti en 2014. Un immense cinéaste russe.

PS : « Minotaure » et « Leviathan », deux titres de films empruntés à la mythologie. Le premier, monstre à tête de taureau enfermé dans un labyrinthe à qui on livrait 7 garçons et 7 filles (total 14 comme dans le film) ; le second, monstre représentant le chaos primitif. Est-ce Poutine et les oligarques russes que nomme ainsi Zviaguintsev ?

« Notre Salut » d'Emmanuel Marre, plongée dans la collaboration

Avec « Notre Salut », Emmanuel Marre nous propose son second long métrage (2 heures 40, les cinéastes d’aujourd’hui n’ont pas peur du temps long), après « Rien à foutre » où Adèle Exarchopoulos, superbe comme toujours, nous embarquait sur les vols low-costs.

Reprenant les lettres échangées entre Henri, son propre arrière-grand-père et son épouse, il nous plonge jusqu’à la racine des cheveux dans la collaboration, celle de petits fonctionnaires, d’abord à Vichy où il se rend pour y fourguer son bouquin sur le « management », d’où le titre du film, puis à Limoges où il est chargé de réduire le chômage, d’abord des français, ensuite des immigrés, enfin des juifs, dont il apprendra le départ de Toulouse en août 1942, de milliers d’entre eux. Auparavant, il aura réussi à faire venir son épouse et ses trois ados, dans sa maison dont il leur cachera la propriété d’une famille juive.

 Contrairement à d’autres films sur cette période, ici pas de violence, pas d’actions de la Résistance (importante à Limoges), on est entre collaborateurs du Maréchal qui viendra faire une visite devant des foules enthousiastes, ici Emmanuel Marre utilise des images d’archives en N&B. On se reçoit dans la bonne société, on danse, (la séquence est en passe de devenir culte, utilisant un tube des années 80, Live is Life, du groupe Opus, transgression temporelle cela s’appelle), on va se baigner les pieds dans la rivière. Il y a bien le supérieur d’Henri qui le presse de dénoncer un ami, menaces à l’appui, mais c’est à peu près tout.

Au sortir de la salle se pose une question : à quel degré de collaboration Henri Marre s’est-il enfoncé, lui qui au départ, à Vichy, était venu chercher du travail avec son bouquin, de Droite certes, soutien inconditionnel du Maréchal, mais pas antisémite. On ne l’entendra jamais dénoncer les communistes ou les résistants en général.

Le réalisateur a pris soin, par de petites touches, de créer un lien entre cette époque et la nôtre, la haine des syndicats (on s’empare du local de la CGT comme aujourd’hui à Carcassonne), la gestion du personnel par des managers (d’où les principes de management défini par Henri Marre dans son livre), la chasse aux immigrés…

Au final, après le débarquement, c’est le sauve-qui-peut chez ces fonctionnaires de Vichy. La dernière image montre Henri avec un enfant de 8 ans que sa mère lui a confié l’espace d’un moment. Allégorie du renouveau de la France porté par le jeune garçon.

Un dernier mot sur Swann Arlaud, exceptionnel dans le rôle d’Henri, interprétation qui aurait pu lui valoir le prix cannois, mais Virginie Efira ayant obtenu le prix féminin, le jury a préféré attribuer à Emmanuel Marre, le « prix du scénario ». Quant à Sandrine Blancke en épouse, elle aspire aux fastes que son époux peine à lui offrir.

Un bandeau sur l’écran nous apprend que Henri Marre est décédé à Cannes en 1956, sans que ni son épouse, ni ses trois enfants, aient connu sa vie durant ses 12 dernières années. La planque a bien fonctionné au sortir de la guerre.

Sylvain Prudhomme, romancier botaniste

Le romancier Sylvain Prudhomme figure dans la liste initiale des 16 (ramenés à 15) auteurs et autrices du Prix Goncourt 2026, décerné in fine début novembre, avec son dernier roman « De l’autre côté du lac ». On retrouve dans ces romans, la même volonté de décrire la nature tel un botaniste, de donner un nom à chaque plante, et derrière le scientifique, d’insister sur les micro-détails de la vie.

 

« Par les routes », Prix Fémina 2019, réunit deux anciens amis alors étudiants, perdus de vue depuis 20 ans, dont l’un est surnommé l’autostoppeur, l’autre Sacha. Le premier partage sa vie avec Marie, et tous deux ont un enfant fréquentant l’école primaire, Agustin. Marie est traductrice, quant à l’autostoppeur dont on ne saura jamais le prénom, qui est artisan, il quitte régulièrement le foyer conjugal sur des périodes de plus en plus longues, et part sur les routes de France, nouer des relations d’amitiés avec celles et ceux qui le véhiculent et qu’il photographie. Il en profite pour visiter les villages de France.

Quant à Sacha, romancier et artiste pictural, débarquant dans cette ville du sud-est, il remplacera de plus en plus son ami absent, jusqu’à prendre la place vacante du foyer.

Faut-il voir dans cette histoire en trio, une quelconque allégorie, celle de l’amitié entre deux êtres, bien que l’un, Sacha, soit quelque peu prisonnier et incapable de s’en extraire, se glissant dans la peau de son ami, qui en quelque sorte lui laisse la place et que Marie accueille amoureusement.

 

« Coyote » : encore un roman sur l’autostop ! Cette fois-ci, c’est l’auteur devenu narrateur, qui entreprend de parcourir la totalité de la frontière d’ouest en est, entre le Mexique et les Etats-Unis, en stop, à l’époque de la première présidence Trump. Son mur et sa police sont les éléments incontournables de la région.

Il sera véhiculé la plupart du temps par des conducteurs mâles d’origine mexicaine, et fera quelques incursions de l’autre côté de la frontière.

Le narrateur rapporte les paroles des conducteurs seulement, on devinera les siens. Formidable incursion, plongée instructive parmi ces gens aux petits boulots, qui n’aiment guère leur Président, mais qui adorent bavarder avec ce Français qui prend des notes et des photos d’eux pour les publier dans son futur roman.

 

« De l’autre côté du lac », le dernier roman de Sylvain Prudhomme, dans la première liste du 𝑃𝑟𝑖𝑥 𝐺𝑜𝑛𝑐𝑜𝑢𝑟𝑡 2026, transporte le lecteur quelque part dans les Alpes, près d’un lac d’altitude, derrière lequel une paroi rocheuse ferme l’accès à une « réserve » déclarée interdite aux humains.

Paola photographie les paysages à l’aide d’une chambre, procédé ancien, mais qui lui permet d’exposer des images d’une netteté exceptionnelle. Se joignant à un groupe de chercheurs, elle décide d’explorer plus avant les abords du lac, alertée par des indices, telles la disparition d’une exploratrice, la mort qui pourrait bien n’être pas accidentelle d’un alpiniste, ou une fumée quasi invisible, seule à l’apercevoir.

Sylvain Prudhomme donne tantôt la parole à un narrateur dont la rencontre avec Paola l’a profondément troublé, tantôt à l’auteur lui-même.

Roman écologique, un espace montagnard devenant inaccessible à l’homme, la description du monde alpestre s’avérant d’une précision toute scientifique, roman poétique écrit dans un style alerte et dégageant une profonde chaleur humaine, et roman policier puisque Paola devient détective tout comme le narrateur sur les traces de la photographe.

Bonne chance pour la seconde liste du Goncourt.

« Garance », ou la renaissance face à l'alcoolisme

« Garance » de Jeanne Herry, présenté en compétition au dernier festival de Cannes, est un long métrage plein d’empathie, de compassion, pour cette comédienne interprétée avec beaucoup de finesse par Adèle Exarchopoulos, qui sombre peu à peu dans l’alcoolisme, duquel elle ne veut ni ne peut sortir seule.

Plongée dans la sphère artistique, où le soir, on fait la fête, on boit, on fume, on danse jusqu’à l’aurore, on baise, on avorte, la troupe qui se produit sur les planches dans un spectacle pour enfants finit par en exclure Garance qui boit verre de vin blanc sur verre de vin blanc. Heureusement pour elle, sa rencontre avec Pauline (merveilleuse Sara Giraudeau), scénographe dans la vie, sera une branche à laquelle elle tente de s’accrocher. Mais l’alcool a déjà fait des dégâts.

Au bord du Styx, devant le royaume d’Hadès, Garance est placée devant un choix cornélien par une femme médecin (Hélène Alexandridis, pleine de persuasion) : vivre ou mourir, arrêter l’alcool ou continuer à boire…

Mais le long métrage de la réalisatrice est aussi un hymne à l’amour féminin, entre ces deux jeunes femmes immergées dans le monde théâtral, mais qui célèbre aussi la renaissance d’une femme. La dernière image fixe d’Adèle est éblouissante de bonheur.

Le thème de l’alcoolisme n’est sans doute pas très utilisé au cinéma, beaucoup moins en tout cas que celui de la drogue, mais l’œuvre de Jeanne Herry permet aux deux principales comédiennes, de remarquables compositions qui auraient pu leur valoir un Prix à Cannes : oui, mais voilà, il y avait Virginie Efira avec « Soudain », au-dessus du panier.

« La Vie d’une femme » à 200 à l'heure dans un hôpital public

Charline Bourgeois-Tacquet nous propose en cette fin estivale, « La Vie d’une femme », présenté en compétition officielle à Cannes cette année, long métrage reparti bredouille. C’est la vie à 200 à l’heure de Gabrielle, chef de service de chirurgie maxillo-faciale d’un hôpital public parisien, elle-même chirurgienne réparatrice du visage.

Film excellemment bien construit, tant au niveau de la prise d’images de Noé Bach, souvent les visages en gros plans, que de l’interprétation des personnages principaux, au sommet desquelles Léa Drucker étincelante, présente à l’écran durant quasiment 1 heure 38, la durée du film. L’accompagnent à l’écran, Charles Berling, le mari écrasé par l’incandescence de son épouse, Mélanie Thierry en amante, Marie-Christine Barrault, la mère de Gabrielle atteinte par Alzheimer, ainsi que dans un rôle secondaire, Suzanne de Baecque en juge des affaires familiales, qu’à Orléans on connaît bien puisqu’elle y a créé au théâtre, « Tenir debout », une jeune fille candidate à miss France.

Tout cela serait fort bien et en ferait un excellent film français, si le scénario ne regorgeait pas de situations explosives, entre le mari qui pète un câble, la mère qu’on embarque dans un EHPAD, l’adjoint de Gabrielle, ami de 30 ans, qui se tire dans le privé où c’est plus relax, la romancière qui drague Gabrielle et qui la plante pour partir au Japon… On aurait cependant aimé, lors de la remontée de bretelles adressée aux « Internes » par Gabrielle, chef de service, que l’un d’eux prenne la parole et lui rappelle les conditions de travail à l’internat, qui s’apparentent à de l’esclavage moderne. Mais non, chacun se tait, pas de vagues !

Pour conclure, voilà un film français bien dans la norme du cinéma actuel en France, remarquable d’un point de vue cinématographique, mais qui ne génère pas de débats. C’est bien dommage, car il y avait là de quoi faire, le sujet en valait la peine.

« Trois adieux », plein de délicatesse, avant la mort annoncée.

« Trois adieux » de la cinéaste espagnole Isabel Coixet, est un long métrage recelant une immense empathie pour le personnage central, « Mlle Marta » telle qu’on l’appelle dans son lycée où elle est professeur d’EPS. Interprétée par une exceptionnelle Alba Rohrwacher, son couple bat de l’aile et ne tarde pas à imploser, et Marta se retrouve seule dans son appartement à Rome, à ruminer son amour perdu, et à vomir dans les toilettes ce qu’elle vient de manger.

Le verdict a tôt fait de tomber : cancer du foie avec métastases de niveau 4. Une sœur un peu envahissante, un collègue dont elle tombe amoureuse (mais il est trop tard), et surtout un mannequin en carton représentant une star coréenne qu’elle embarque chez elle et qui va lui tenir compagnie jusqu’à la fin.

Voilà une équipe d’acteurs et actrices superbement dirigées par Isabel Coixet, dont on retiendra le second amant, l’espagnol Francesco Carril, au firmament de la délicatesse, ainsi que le premier, l’italien Elio Germano, doublement récompensé à Berlin en 2020 et à Cannes en 2010, anéanti par la destruction de son couple dont il s’estime responsable.

Un film où les dialogues, d’une très grande richesse, illuminent chaque plan, entre autres l’éloge funèbre de Marta devant la mort d’un oiseau, sans oublier la blague sur Marx et Dieu, prononcé pendant le générique de fin (de pas s’enfuir de la salle avant que les lumières soient rallumées).